Writing contemporary circus:
On physical language and a modest approach
by Lukas Arndt
A trick is, at first glance, just a trick. While it may be complex and demanding in its execution, it is easy for the audience to grasp. A trick means: something spectacular is happening. People understand that. But of course, it would be far too simplistic to claim that a trick is merely a trick. So, what is a trick after all? And what is (circus) criticism?
According to Barbara Métais-Chastanier, writing about the circus is one of the cornerstones of “a strategy of legitimisation and institutionalisation for the contemporary circus, enabling it to ascend from the realm of the so-called low arts to that of the high arts – comprising the holy trinity of theatre, dance and opera.”
Not all circus artists, however, perceive this as a positive development. With fixed structures come rules and boundaries that affect the independent scene and undermine the circus’s self-image as a free art form. Writing about the circus therefore finds itself at a delicate juncture. Handle with caution.
Although academic discourse has grown in recent years and many productions rely on text for their concepts and funding applications, the method of work in contemporary circus is a physical one. It therefore stands to reason that all writing and thinking about circus must also originate from the body. How to achieve that though? How can one create a body from text?
(With footnotes and headers?)
Who is allowed to write about circus?
A comparison with theatre criticism offers some guidance; its history was long characterised by a hierarchy between the intellectual critic and the audience that needs to be enlightened. Yet even in theatre, it has now been recognised how essential equal communication is between artists, critics and the public.
For me (oh, surprise!), this raises the question of who is allowed to write about the circus. Generally, there is the common demand that critics must be qualified, prepared and experienced. There is certainly some truth in this, yet it reinforces the hierarchy between the brilliant critic (male, obviously), the object of scrutiny to be evaluated, and the audience in need of explanation.
I am not experienced, and one can always argue about qualifications. I am, however, well-prepared and interested, and as this text progresses, I become ever more passionate. Is that perhaps enough? Interest, preparation, diligence and a passionate yet modest love for the subject in question? I would say: yes. And in doing so, with this light-heartedness and the first-person singular that has fallen out of the blue, I make myself vulnerable, and approachable.
In my opinion, circus criticism, as an equal accomplice to the play, should make itself just as visible and expose itself to the risk of failure the same way a performing body does as soon as it steps onto the stage. This is not only due to the aforementioned caution, but this act also makes language physical, real and tangible. I haven’t yet explained what a trick is, but I’m right in the thick of it. Is the tension rising?
How can we write about circus?
So let us try, like a body, to remain flexible and take a closer look at the question of what type of language can capture the body on stage. When asked for a new language that does justice to the moving body, Franz Anton Cramer points out that perhaps no new definition of language is needed, but rather a flexibility with definitions and fixed attributions.
As I understand it, this is an invitation to take risks. Thinking outside existing categories and attributions, not hiding behind references, requires courage. There is a danger of not doing the subject justice, of missing the point, of possibly being unfair. Nevertheless, in my opinion, this courage is urgently needed; it is an expression of respect and recognition.
Christina Thurner explains, however, that doing it justice is impossible: “Dance movement cannot – at least in a feature or cultural studies context – be captured precisely in words.”
For me, this implies a great freedom, an invitation to creativity and play. Here, a parallel to contemporary circus emerges; as its practices are based on a spirit of tinkering, a willingness to experiment, and a persistent engagement with objects in training.
I think circus critics should experiment and try out forms in collaboration with the act. Perhaps the play strictly dictates a form that the writing cannot resist. Perhaps it allows great freedom and opens up spaces in which the text unexpectedly finds something new from which the play can benefit. Perhaps something completely unforeseen happens. Hopefully it does.
I gave it a go, I had fun
At this point, back to the trick, which of course is not, as claimed at the start, merely a trick. Nor is the body merely a body, nor is circus technique devoid of meaning. On the contrary, the often extreme visibility of the body in circus, particularly against the backdrop of virtuosity and the associated body images, is strongly embedded in structures of power and evaluation. This makes circus technique socio-politically contextualisable and circus criticism an important discursive instrument.
It must therefore assume a challenging dual role. On the one hand, it is an independent form of cultural journalism seeking its own language, with socio-political responsibility; on the other hand, it has a service-oriented character, working alongside and with the play being discussed. It should maintain a balance: despite all its enthusiasm for experimentation, it must not draw too much attention to itself, yet for the sake of accessibility, it must not stray too far from itself either. Although this text is not a review, but rather a search for the right language for reviews, I have formally tried to engage with these requirements.
That is why, as it unfolds, this text has sought to emulate the methods of a circus-style act dramaturgy, building tension by continually postponing the explanation of what a trick is (did I even provide one?), and exposing itself to the risk of failure.
And that is why, under the guise of self-reflection and formal awareness, this text shamelessly explains its methods, thereby drawing attention to itself as clearly as a review—as an equal accomplice to the play—should never do.
So much for the joy of experimentation. I gave it a go, I had fun.
Sources:
Hardt, Y., Stern, M. (Hg.): Choreographie und Institution. (2011). transcript Verlag, Bielefeld.
Huber, J., Stoellger, P., Ziemer, G., Zumsteg, S. (Hgg.). (2007). Ästhetik der Kritik- Verdeckte Ermittlung. Edition Voldemeer, Zürich.
Lievens, B., Kann, S., Ketels, Q., Focquet, V. (Hgg.). (2020). Thinking through Circus. Artpapereditions.
Metais-Chastanier, B. (2021). Schreiben für den Zirkus: eine Dramaturgie? Voices Magazin II, Re_writing Circus. https://www.circus-dance-festival.de/cdfthek/schreiben-fur-den-zirkus-eine-dramaturgie-barbara-metais-chastanier/
Stuke, F. R. (Hg.). (1997). Alles Theater? Bühne, Öffentlichkeit und die Kritik. Daedalus Verlag, Münster.
Schreibweisen der zeitgenössischen Zirkuskritik:
Über körperliche Sprache und ein bescheidenes Mit
von Lukas Arndt
Ein Trick ist erstmal nur ein Trick. Er ist, wenngleich komplex und voraussetzungsreich in seiner Ausführung, für die Zuschauenden einfach zu rezipieren. Ein Trick oder ein Kunststück sagt: Hier passiert gerade etwas Spektakuläres. In den meisten Fällen versteht man das. Es ist aber natürlich viel zu einfach, zu behaupten, dass ein Trick nur ein Trick ist. Was also ist ein Trick? Und was (Zirkus-)Kritik?
Das Schreiben über Zirkus gehört laut Barbara Métais-Chastanier zu den Eckpfeilern „einer Legitimations- bzw. Institutionalisierungsstrategie des zeitgenössischen Zirkus, die es ihm ermöglichen, aus dem Reich der sogenannten niederen in jenes der hohen Künste – bestehend aus der heiligen Dreifaltigkeit von Theater, Tanz und Oper – aufzusteigen.“
Nicht alle Zirkusschaffenden sehen das rein positiv. Mit festen Strukturen kommen immer auch Regeln und Grenzen, die die Arbeit in der freien Szene verändern, und das zirzensische Selbstverständnis als freie Kunstform angreifen. Das Schreiben über Zirkus befindet sich daher an einem empfindlichen Punkt. Hier ist Behutsamkeit gefragt.
Obwohl der wissenschaftliche Diskurs in den letzten Jahrzehnten gewachsen ist und viele Produktionen für Konzepte und Förderanträge auf Text angewiesen sind, ist die Arbeitsweise im zeitgenössischen Zirkus eine körperliche. Es liegt somit nahe, dass auch jedes Schreiben und Denken über Zirkus vom Körper ausgehen muss. Wie lässt sich das nun handhaben, wie aus dem Text einen Körper machen?
(Mit Fußnoten und Kopfzeilen?)
Wer darf über Zirkus schreiben?
Zur Orientierung bietet sich ein Vergleich mit der Theaterkritik an, deren Geschichte lange von einer hierarchischen Struktur zwischen intellektuellen Kritiker*innen und dem zu belehrenden Publikum geprägt war. Doch auch im Theater hat man mittlerweile erkannt, wie notwendig gleichberechtigte Kommunikation zwischen Künstler*innen, Kritiker*innen und Öffentlichkeit ist.
Für mich (Huch!) schließt sich daran die Frage an, wer über Zirkus schreiben darf. Immer wieder heißt es, Kritiker*innen müssen qualifiziert sein, vorbereitet, erfahren. Diese Forderung hat definitiv ihre Richtigkeit, stärkt jedoch das hierarchische Gebilde rund um den genialen Kritiker (ungegendert), den zu bewertenden Betrachtungsgegenstand und das erklärungsbedürftige Publikum.
Ich bin nicht erfahren und über Qualifikation lässt sich immer streiten. Vorbereitet bin ich wohl und interessiert und je weiter dieser Text voranschreitet auch immer leidenschaftlicher. Reicht das vielleicht? Interesse, Vorbereitung, Sorgfalt und eine leidenschaftliche, aber bescheidene Liebe zum Betrachtungsgegenstand? Ich würde sagen: Ja, und mache mich hier mit dieser Flapsigkeit sowie der aus heiterem Himmel gefallenen ersten Person Singular angreifbar, ansprechbar auch.
Meiner Meinung nach sollte sich die Kritik, als gleichberechtigte Komplizin des Stücks, genauso sichtbar machen und dem Risiko des Scheiterns aussetzen wie ein performender Körper das tut, wenn er die Bühne betritt. Das hat nicht nur etwas mit der eingangserwähnten Behutsamkeit zu tun, sondern es macht Sprache körperlich, real und greifbar. Damit habe ich noch nicht erklärt, was ein Trick ist, aber ich stecke mittendrin. Steigt die Spannung?
Wie können wir über Zirkus schreiben?
Versuchen wir also, wie ein Körper, beweglich zu bleiben und schauen genauer auf die Frage, welche Sprache den Körper auf der Bühne fassen kann und wie. Gefragt nach einer neuen, dem sich bewegenden Körper gerecht werdenden Sprache, weist Franz Anton Cramer darauf hin, dass es möglicherweise keiner neuen Definition von Sprache bedarf, wohl aber einer Flexibilität mit Definitionen und festen Zuschreibungen.
Meinem Verständnis nach ist das eine Einladung zum Risiko. Außerhalb von bestehenden Kategorien und Zuschreibungen zu denken, sich nicht hinter Referenzen zu verstecken, erfordert Mut. Es besteht die Gefahr, dem Gegenstand Unrecht zu tun, an der Sache vorbeizuschreiben, möglicherweise unfair zu sein. Dennoch ist dieser Mut meiner Meinung nach dringend nötig, er ist Ausdruck des Respekts und der Anerkennung.
Christina Thurner erklärt dazu, dass ein Gerechtwerden ohnehin unmöglich ist: „Tanz-Bewegung lässt sich – zumindest im feuilletonistischen oder kulturwissenschaftlichen Kontext – nicht exakt einfangen in Worte.“
Für mich folgt daraus eine große Freiheit, eine Aufforderung zur Kreativität und zum Spiel. Dabei zeigt sich eine Parallelität zum zeitgenössischen Zirkus, dessen Arbeitspraxis auf Tüftler*innengeist, Experimentierfreudigkeit und ausdauernder Auseinandersetzung mit Objekten im Training beruht.
Ich denke, Zirkuskritiker*innen sollten in Zusammenarbeit mit dem Stück genauso experimentieren und Formen ausprobieren. Vielleicht schreibt das Stück streng eine Form vor, der sich das Schreiben nicht verwehren kann. Vielleicht erlaubt es große Freiheit und öffnet Räume, in denen der Text unverhofft Neues findet, von dem das Stück profitieren kann. Vielleicht passiert etwas ganz und gar Unvorhergesehenes. Hoffentlich.
Ich hab‘s versucht, ich hatte Spaß
An dieser Stelle nochmal zurück zum Trick, der natürlich nicht, wie anfangs behauptet, nur ein Trick ist. Der Körper ist auch nicht nur Körper und Zirkustechnik nicht bedeutungsleer. Ganz im Gegenteil ist die oft extreme Sichtbarkeit des Körpers im Zirkus, gerade vor dem Hintergrund von Virtuosität und damit zusammenhängenden Körperbildern, besonders stark in Macht- und Bewertungsstrukturen eingebunden. Das macht Zirkustechnik gesellschaftspolitisch kontextualisierbar und Zirkuskritik zu einem wichtigen diskursiven Instrument.
Sie muss also eine herausfordernde Doppelrolle annehmen. Einerseits ist sie eine nach Sprache suchende, eigenständige kulturjournalistische und literarische Form mit gesellschaftspolitischer Verantwortung, andererseits hat sie einen Dienstleistungscharakter, arbeitet neben und mit dem zu besprechenden, zu begleitenden Stück. Sie sollte die Balance halten: trotz aller Experimentierfreude nicht zu sehr auf sich selbst zeigen, aber auch, der Ansprechbarkeit halber, nicht zu sehr von sich weg. Obwohl dieser Text keine Kritik ist, sondern eine Suche nach der richtigen Sprache für Kritiken, habe ich mich formal um eine Auseinandersetzung mit diesen Anforderungen bemüht.
Deshalb hat dieser Text im Verlauf versucht, sich der Wirkweise einer zirkustypischen Nummerndramaturgie anzunähern, Spannung aufzubauen, indem er die Erklärung, was ein Trick ist, immer weiter aufschob (hab ich sie überhaupt geliefert?), und sich dem Risiko des Scheiterns auszusetzen.
Und deshalb erklärt der Text hier unter dem Deckmantel von Selbstreflexion und Formbewusstsein schamlos seine Mittel und zeigt dabei so deutlich auf sich selbst, wie es eine Kritik als gleichberechtigte Komplizin des Stücks nie tun sollte.
So viel zur Experimentierfreude. Ich hab‘s versucht, ich hatte Spaß.
Quellen:
Hardt, Y., Stern, M. (Hg.): Choreographie und Institution. (2011). transcript Verlag, Bielefeld.
Huber, J., Stoellger, P., Ziemer, G., Zumsteg, S. (Hgg.). (2007). Ästhetik der Kritik- Verdeckte Ermittlung. Edition Voldemeer, Zürich.
Lievens, B., Kann, S., Ketels, Q., Focquet, V. (Hgg.). (2020). Thinking through Circus. Artpapereditions.
Metais-Chastanier, B. (2021). Schreiben für den Zirkus: eine Dramaturgie? Voices Magazin II, Re_writing Circus. https://www.circus-dance-festival.de/cdfthek/schreiben-fur-den-zirkus-eine-dramaturgie-barbara-metais-chastanier/
Stuke, F. R. (Hg.). (1997). Alles Theater? Bühne, Öffentlichkeit und die Kritik. Daedalus Verlag, Münster.